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死と再生の遊び ― 『ゴードン・マッタ=クラーク展』

国立近代美術館で開催中の『ゴードン・マッタ=クラーク展』を観た。

デュシャンの影響なのだろうか、マッタ=クラークの提示の仕方は様々な観方、考え方を許容するので、どのように感じ、考えるか、観る者にとっての鏡のようなところが有る。
今回は私が強く印象を得た側面に留めて書いてみたい。

会場に入ると建物の断面の立体模型や建物内部の写真が展示されている。
Gordon1.jpg
一瞬、これは建築家の展覧会なのか、と思う。
しかし、マッタ=クラークのした仕事は建設ではなく、建築物を切り裂き、破壊すること。
だが、このような展示を観てみると、建設にも破壊にも、今までに無いものを創造する、という共通項が有ることに気付く。

建築は私たちの肉体の周囲にそれまで存在しなかった住空間を創り出す。
人工的な凝縮された住空間の中で、人間はそれまで自然空間の中では得られなかった濃密な活動の場を獲得し、生産性を高める。
それは建物という境界が創り出した活動的空間だが、その境界は同時に自然と人間との間に在ったゆるやかな秩序を分断する。
だが、ふだん私たちはそのことに気付かない。

マッタ=クラークは独りで黙々と廃屋を切り裂く作業を続ける。
Gordon2.jpg
縦にスプリットされた壁面の隙間が拡がると、戸外の木々の緑が、空の青さが見える。
光がこぼれるように屋内に注ぎ込まれて来る。
屋内にいる人間と屋外の自然との間に、ゆるやかなつながりが細く、徐々に、そして確かに出来始める。
建物の中に新しい光が入り、屋内は別の空間へと生まれ変わっていく。

マッタ=クラークは木を建築の原型とみなしており、樹木は原始的な住居だった。
きっと幼少時にツリーハウスで遊んだ原体験が有るのだろう。
樹木の住居には境界が無く、エネルギーが満ち溢れている。
彼が試みたスプリッティングは、廃屋をツリーハウスのようにエネルギーに満ちた空間に変容する試みだったのかも知れない。

マッタ=クラークはフードにも強い関心を持っていた。
生命が人間にもたらされ、料理によって質が変わり、消化されていくプロセス。
生と死の交錯。
生命の循環、リサイクル。

Gordon3.jpg
環境における循環やリサイクルに関心の有ったマッタ=クラークは、都市空間の中で使われなくなった空間やゴミに注目し、それらを循環させたり、変容させたりすることを試みる。
しかし、フードのような有機物と異なり、都市で不要となった無機物は新しい生命を得ることが出来ないことが可視化される。

フィルム『フレッシュキル』で、つぶされていく廃車を見ていると、再生されない無機物の生の在り方の真実が見える。
死に、朽ち果てていくプロセスに眼をそむけてはならない。
あらゆるプロセスを最後まで見届けることに妙が有る。
挽歌を歌うかのようにカモメが飛んでいる。

現在、深海でプラスチック。ゴミが見付かったことが問題になり、スタバで再生可能な容器を使うようにする等の動きが出て来ているが、そうした未来をマッタ=クラークは見越していたに違いない。

マッタ=クラークが提示している問題は深くて手強いが、彼自身は実に軽やかに、エネルギッシュに、自分の活動を楽しんでいる。
都市空間の中でもツリーハウスで遊ぶかのように天真爛漫に生きることが出来る。
それは私にとって心強いヒントだった。
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テーマ : 美術館・博物館 展示めぐり。
ジャンル : 学問・文化・芸術

生きている実感のしるし ― 『装飾は流転する』

東京都庭園美術館で開催中の『装飾は流転する』展を観た。

会場の一隅に「装飾とは何か」について観覧者がカードに書き込んでフックに吊るすコーナーが在る。
まるでNHKのドキュメンタリー番組『プロフェッショナル』のようだ。
プロフェッショナルも装飾も人によって様々な捉え方が有り、ひとことで言うのは難しい。

イメージや模様は、元は神を象るもの、或いは、神に触れるための媒体であり、神的なものと人間とをつなぐ役割を持つものとして創り出された。
それが後年、自己目的化し、人間の生活を彩るものとなり、衣食住を飾るものとなる。
これが装飾である。

それ故、装飾には手段的要素とそれ自体が目的であるような要素が混ざっている。
今回の展覧会に出品されている個々の作品を観ると、手段的要素が多いものもあれば、それ自体が目的であるかのように構えているものとが混在している。

それ自体が目的であるかのような作品は自らが主役となってキャラ立ちしている。
一方、手段的要素を多く持つ作品は脇役として生活空間に溶け込み、そこに+αの何かを産み出している。

装飾が手段か目的か。
作品が主役か脇役か。
生活空間とケンカするかしないか。
作者の装飾に対する考え方に多様性が有って面白い。

ヴィム・デルヴォアの《低床トレーラー》。
ゴシック装飾を施されたトレーラーは本来の機能を失い、壮麗な馬車のように見える。
装飾が生活を豊かにするものではなく、自己増殖するガン細胞のようなおぞましさを感じさせる。
装飾そのものが目的で、作品は唯我独尊的主役。

ニンケ・コスターの仕事はインテリア装飾や家具デザインをベースにしており、その作品は生活空間に調和している。
歴史や歴史的建造物に想を得たデザインの家具は生活空間に異なる意味を与え、空間を興味深く、魅力的なものにする。
装飾は手段的であると共に目的そのものでもある。
作品は脇役的でもあるが、主役的でもある。
生活空間と微妙な調和を取りつつも、いかにもヨーロッパの作家らしく、しっかりと個を主張している。

山本麻紀子の《Through the Windows》。
人と人とがつながる手段として装飾が役割を果たし、コミュニケーションが成立するとその装飾が残る。
作者は装飾が生まれて来るインタラクティブなプロセスそのものを大切にする。
装飾は手段でもあり、目的でもある。
作品は個を主張せず、脇役的だ。

山縣良和のファッション・ブランド「writtenafterwards」。
物語が有ってファッションが生まれ、そのファッションの後にまた新しい物語が始まる、という円環的な世界観。
言葉とイメージの相互フィードバックによって次元が変わっていく弁証法的な世界観。

生きるプロセスとしての装飾
人生のマイルストーンとしての装飾。
装飾に向き合うことで人生の深淵に触れ、神秘的なものに対峙する。

ファッション ― まとう。
まとった、くるまれた中にいる感覚と、まとったもの、くるまれたものを外から観ている感覚。
山縣の作品は、地球儀に象徴されるように、外から顧みた視点が多いのが印象的だ。
装飾は手段であると同時に目的であり、作品は個を主張している。

高田安規子・政子は、日常生活で使用する食器、衣装、装身具、雑貨等を精緻に造り込む。
旧朝香宮邸の随所に、まるで元からそこに在ったかのように忍ばせる。
元々の部屋には無い空間が立ち上がるが、それは快い驚きに満ちている。
抵抗なく心に入って来る装飾によって、観る者の認識がいつの間にか変わっている。
理性的な問題提起をせずに感覚的に入って来る装飾の持つ力の大きさ。
装飾は手段に徹し、作品は脇役的だが、とてつもない潜在力が有る。

コア・ポアが描いた大きな絨毯状の絵画。
多彩な世界が平面の中に生き生きと踊っている。
生活空間に彩を添え、豊かなものにする。
しかし、絵画世界は自立的で、生活空間からの影響を受けず、個を主張する。

アラヤー・ラートチャムルーンスックの《タイ・メドレー》シリーズ。
遺体安置所で死者のためにタイの古典文学「イナオ」を朗読する女性。
朗読される愛の詩と遺体に掛けられた花柄のプリント模様の布。
生と死がひとつながりの隣り合ったものとして素直に感じられる。
こちらの世界とあちらの世界をつなぐもの、という装飾本来の役割を見る思いがした。

今回出展している作家たちの装飾観は一人一人異なっている。
100人いれば100通りの装飾観が有るし、1,000人いれば1,000通りの装飾観が有ることだろう。
共通しているのは、装飾が予定調和的なものとして生活空間に埋没していないこと。
普段の生活とは異なる世界を垣間見せる装飾となっていることだ。
それは、現実世界を異化し、神秘的なものへの憧憬を呼び起こし、生きることの意味を振り返らせる。
私たちが生きている、という実感を、装飾は現実の生活空間の中で視覚的イメージを通してありありと感じさせてくれる。
装飾が流転するのは私たちが生きていると実感出来ているしるしなのだ。

テーマ : 美術館・博物館 展示めぐり。
ジャンル : 学問・文化・芸術

黄昏のダンディズム ― 『ソール・ライター展』

Bunkamuraザ・ミュージアムで開催中のソール・ライター展を観た。

彼の写真は、ファッション雑誌のために撮影した商業作品でも、自分自身のために撮影した写真でも基本的に共通したスタイルを持っている。

窓越しに、フェンス越しに、鏡越しに垣間見える姿。
目撃者であるライターが捉えた何気ない一瞬に何故かとても心惹かれるものを感じる。
都会的、だが殺伐としていない、しっとりと潤いのある詩的な画面。

ショーウィンドウを覗く女性は陳列されている商品を見詰めているのだろうか。
それとも、ガラスに映った自分の姿を見詰めているのだろうか。
ものを観るという行為は、対象物を観ると同時に自分自身の姿あるいは心を観るということを内包しているものだ。
観ている女性の視線はぼんやりとしている。

ガラス越しのぼんやりとした、時には雨露で煙った視界。
そうしたフィルターを掛けると、ふだん見慣れた日常の光景が異化され、とても魅力的で美しい世界が立ち現れる。

カラー写真では、赤と黒の対比が際立つ。
独特のくすみを帯びた赤が心に残る。
魅力的な挿し色。
「足跡」の傘の赤は浮世絵を思わせる。

黄昏を生きる。
斜に構えたダンディズム。
近くからさり気なく撮っているが、対象とは心の距離を取っている。
被写界深度が浅く、時にはわざと対象から焦点を外してぼかす。
被写体の動きによるブレが時間の移ろいを感じさせる。

誰かのためではない、自分自身のために写真を撮る。
それは一種のセルフ・ヒーリング。

「私は有名になる欲求に一度も屈したことがない。
自分の仕事の価値を認めて欲しくなかった訳ではないが、
父が私のすることすべてに反対したためか、
成功を避けることへの欲望が私のなかのどこかに潜んでいた」

時は第二次世界大戦後の経済成長期。
彼ほどの才能が有れば、有名になることは難しくなかったはずだ。
しかし、彼は時流に乗ることを嫌った。
流行の渦に巻き込まれることを嫌った。
大衆と陶酔を共に出来ない個人は孤立し、時として不安にさらされる。
彼がわざと対象と心の距離を保ったのは、自身の個を失いたくなかったからだろう。

時流に流されないためには、自分のキャパで扱える範囲の題材だけに限って撮るのが賢明だ。
ライターが自分の日常生活の範囲内でのみ撮影したのもそのためだろう。
また、日常空間の中でくつろぐ女性たちの親密さに満ちたヌード写真は、孤独感を癒すために記録した日記のようなものと言えるだろう。

ライターは絵画も描いた。
淡く繊細な色調が美しい。
「写真は表現だが、絵画は創造である」
都会で撮影した写真では表現出来ない、しかし自分の心が必要とした色合を自ら創り出そうと試みているようだ。

時流に屈せずに我が道を歩き通したライターという先人の存在はとても心強く感じられる。

テーマ : 美術館・博物館 展示めぐり。
ジャンル : 学問・文化・芸術

生命の実相の可視化 ― 『草間彌生 わが永遠の魂』

国立新美術館で開催中の『草間彌生 わが永遠の魂』を観た。

ホールに入場すると、屋内であるにもかかわらず、明るい陽光の下に放り出されたように感じる。
太陽の光を受けているように、身体内部の生命の輝度が上がる。

『わが永遠の魂』シリーズのひとつひとつの絵には驚くほどの多様性が有る。
構図の多様性、形象の多様性、色彩の多様性。
無彩色や寒色系の絵も有るが、全体として赤やオレンジ等の色調の絵が多い。
それが暖かさを感じさせ、太陽を思わせるのだ。

ホールの中央部に置かれた立体作品『真夜中に咲く花』や『明日咲く花』がホール内のエネルギーをキャッチし、分配するアンテナの役割を果している。
このホールは正にパワースポットだ。

写真を撮りつつホールを一巡し、しばらく余韻に浸る。

ホールを囲む回廊の最初の部屋に移動する。
最初期の松本時代の草間の作品が展示されている。
1939年の(無題)には、水玉や『真夜中に咲く花』の原型となるような花のイメージが描き込められている。
これが少女時代に彼女を苦しめた幻覚のイメージなのだろうか。

1940年代から50年代にかけて描かれた絵は総じて画面サイズが小さく、色調が暗い。
才能有る画家であることは確かだが、未だ現在の草間に通じる独自性は無い。
内面の不安や狂気が描かれているが、内に閉じ込められている。
日本国内の風土の枠に縛られているようだ。

渡米して、1960年代にニューヨークで描かれた作品は、スタジオの環境も有るのだろうが、急激に画面サイズが巨大化する。
細かいドットやネットの反復で画面が満たされ、色彩も白一色や赤一色のように、明るくシンプルになる。

ドットやネットは細胞を連想させる。
草間は細胞というエレメントを増殖させることによって、新たなものを産み出すことが出来ることに気付いたのだ。
少女時代から自分を苦しめていた水玉のイメージが、生命を象徴するイメージにパラダイムシフトする。

ドットやネットの代わりに紙幣や、顔写真やAirmailのラベルを細胞として増殖的に用いたコラージュでその可能性を確認する。
さらに、細胞増殖による創造の可能性を立体作品で試すべく、突起物の反復・組合せによるソフトスカルプチャーを制作する。
突起物は男性器を連想させるが、それは生命と変化の可能性を象徴する、細胞の立体的イメージとしてふさわしいものだったのだろう。

草間は細胞という生命的エレメントで世界を再構成する表現手段を獲得したのだ。
彼女はその可能性を試すべく、自らの身体を使った野外でのパーフォーマンスや写真・映像作品へと、表現の多様性を拡げて行く。

心身の不調を感じた草間は1972年に一時帰国し、翌73年から日本に定住するようになる。
拡張した後には収縮することによってバランスを取り直す必要が有ったのだろう。
米国滞在中に獲得した表現手段を手に、草間は深く内面の世界に降りて行き、魂の問題と取り組む。
そして、水玉やネットという細胞的エレメントを駆使して暗く内省的なテーマに挑み、多様な表現法を産み出し、他の作家の追随を許さない独自のスタイルを築き上げて行く。

1980年代に入ると再び作品が巨大化して来る。
色使いは明るく、深い。
水玉と突起物をモチーフに、鮮やかで深味の有る色彩感覚で構成した立体作品『最後の晩餐』。
同じく突起物のモチーフを使い、白と赤のシンプルな色の組合せで反復する『太陽の雄しべ』。
精子をモチーフにした『魂を燃やす閃光 A.B.Q』など、生命への力強い讃歌。

草間を代表するデザインである『黄樹』は突起物が成長し、変容したものと水玉との組合せのように見える。
この『黄樹』が生命と魂の無限に拡がる営みをその内側から捉えた姿とすれば、生命と魂を象徴する形象を外側から捉えようとする試みが『かぼちゃ』と言えるだとう。

再び中央のホールに入る。
改めて色彩の氾濫にまぶしさと心身の高揚を感じる。

草間は闇の中に閉じ込められていたエネルギーの出口を開き、解き放ったのだ。
エネルギーが草間彌生というチャンネルを通して奔流のように私たちの世界に流れ込んで来ているのだ。
宇宙のエネルギー、生命のエネルギーには光と共に闇も内在する。
『わが永遠の魂』シリーズの絵に感じる不穏さはその現われだろう。
しかし、それがエネルギーの実相なのだろう。

生命の秘密を可視化して見せてくれた草間彌生という不世出の巫女と同時代に生きている興奮を禁じ得なかった。

テーマ : 美術館・博物館 展示めぐり。
ジャンル : 学問・文化・芸術

時間とドラマのカプセル ― 『エリザベス・ペイトン:Still life 静/生』

原美術館で開催中の『エリザベス・ペイトン:Still life 静/生』を観た。

会場に入ると、展示されている絵が意外に小さく感じられる。
しかし、小さいながらも存在感が有る。
それは、描かれた線の迷いの無さ、
そして、色彩の鮮やかさに依るものだろう。

例えば、『眠るカート』のシャツの紫色やノートのオレンジ色。
『プリンス イーグル(フォンテーヌブロー)』の湖水の碧色、屋根の瑠璃色、そして着ているコートやズボンの濃紺色。

肖像画の人物には笑いが無い。
彼(彼女)は自分の感情を表現しようとしたり、こちらとコミュニケーションを取ろうとしたりしない。
画家がモデルに敢えてそのようなことをさせず、素のままで存在させ、その姿を写し取っている。

その表情は中性的で硬く、内面に踏み込んで来ることを拒む手強さを持っている。
しかし、その閉ざした表情を裏切って、鮮やかな色彩は秘められた感情の豊かさを暗示している。
パッッション。
どの肖像画にも共通するそうした雰囲気は、おそらく画家自身の心を投影しているのだろう。

静かで、内面を隠した、謎めいた肖像画。
それは静物画の特徴に似ている。
本展覧会のタイトルに含まれている『Still life』はそれを意識したものなのだろう。

2階に上がる。
階段踊り場のバルコニーに展示されている『パティ』。
ポストカードの中の肖像は淡く霞んでいる。
それに対して手前のガラスのコップに挿した花の赤は濃く、生き生きしている。
1階の「静」に対して2階は「生」なのか、と予感させる。

そして、2階の会場に展示されている最初の作品『搭乗券(花)』。
華やかなピンクのカーネーションは生の世界への搭乗券。

2階には、『クンドリ(ヴァルトラウト マイアー)』、『ウェルテルの死』、『パルジファル(ヨナス カウフマンとカタリーナ ダライマン)』のような、劇やオペラに題材をとった作品や、『二人の女性(クールベにならって)』、『エジプトのフロベール(ドラクロワにならって)』のような、19世紀絵画へのオマージュとして描かれた作品が展示されている。

これらの絵には動きが有る。
ロマン派的なドラマに満ちている。
そして、動きやドラマが有る分、エネルギーが放散され、画面の緊張感は逆に緩和されて来る。
これらの絵にはカタルシスが在る。

2階には、ペイトンの自画像が2枚展示されている。
1999年に描かれた『自画像』は見透かすような冷ややかな眼をしている。
対象と距離を取って外から視ている感じだ。
2009年に描かれた『自画像(ベルリン)』の眼は焦点が合っていない。
泣いているのだろうか。
両眼から放射状の線が描かれ、涙が飛び散っているみたいに見える。
内に在るものが溢れ出し、正に己の生を生きている。

エリザベス・ペイトンは語っている。
「絵画は、一瞬一瞬の時間の蓄積である。あるいは時間をかけて生じるものである。絵画とは、それ自身が必要とするものをすくい上げていく作業だ。絵画の中に起きていることをただじっと観察する。絵画は時間とともにある、それゆえ大きな影響力をもつものとなる。」

階段を降りて1階のギャラリーを再訪する。
先刻観た肖像画が変貌している。
肖像から構えが無くなり、人物が素直に今という時を生きている。
最初に対峙した時に感じた手強い緊張感は解け、絵そのものの情感がすっと心に沁み込んで来る。
二巡三巡するほど、その感覚が増して来る。

ペイトンの言う通り、絵画は時間と共に在り、大きな影響力を持っている。
生硬な絵画がドラマの感動を潜り抜け、生き生きしたものに変容する。
ペイトンが体験したプロセスを、展覧会場を巡ることで追体験しているような感覚。

肖像はドラマを容れたカプセル。
虚構世界を映し鏡として、今私たちの生きている世界が内包するドラマ性に気づかせてくれる。
絵の中には時間が流れている。

テーマ : 美術館・博物館 展示めぐり。
ジャンル : 学問・文化・芸術

プロフィール

迷林亭主

Author:迷林亭主
迷林亭主ことカウンセリングルーム・メイウッド室長 服部治夫。
三鷹市の住宅地に佇む隠れ家的なヒーリグ・スペース。
古民家を改装したくつろぎの空間で、アートセラピーや催眠療法などを活用し、カウンセリングやヒーリング、創造性開発の援助に取り組んでいます。

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